Programación Marzo 2023
Iartes | Programación | Diálogos Permanentes | Cátedra de Arte | DAVC | Semillero de las Artes
En esta ocasión se muestra una selección de trabajos de los niños y niñas de la Escuela Básica Nacional Amanda Schnell, ubicada en la Calle Libertador y Calle San Antonio al lado de INCES, en la parroquia La Vega.
Anterior:
Diálogos Permanentes para las Artes Visuales del IARTES
DiálogosPermanentes para las Artes es un espacio de reflexión orientado al intercambio de ideas, de generación y actualización de conocimientos relacionados con la artes visuales, con la comunidad y el ciudadano, basados en diversas visiones por parte de expertos nacionales e internacionales que compartan con el público asistente a los mismos.
La actividad fue moderada por Evelio Salcedo, director de Artes en las Comunidades del Iartes, las ponencias estaban a cargo de las artistas Palmira Correa, Sara Nazoa y la bailarina Jocelyn Ángulo, quienes resaltaron la importancia del arte desde la visión femenina y el aporte que ellas han brindado al sector a partir del relato como experiencia vivencial.
Sara Nazoa creadora visual aseveró que su vida profesional inició como bióloga, “mi pasión siempre ha sido la pintura, con el pasar del tiempo me fui relacionando con ella y mi influencia es Reverón además, que mi estilo es muy imaginario”.
Por su parte, Jocelyn Ángulo, expresó: “Mi contacto con el arte se dio desde pequeña en el colegio, sabía que tenía algo distinto más allá de la simple acción de dibujar, pero fue finalmente la danza en donde encontré expresión con la gestualidad en la Escuela Nacional de Danza y pude complementar, con las artes pláticas”.
Más en: Prensa-IARTES
Por otra parte, la investigadora Gladys Yunes resaltó nombres de mujeres destacadas en el arte nacional que dejaron huella a lo largo del tiempo.
Durante el encuentro se habló sobre la poesía y rol en el arte nacional, en ese sentido el profesor Duarte leyó dos poemas de Manuel Castro (de sus libros inéditos: El Molino de la Torre: poema titulado: 11 de Mayo de 1904 - La Calle sin Miedo: poema: Como mocasín descuebierto en la mañana...) para complemetar el tema, debido a que la poeta Aracelis García, por situación de salud no pudo en definitiva participar a pesar de tener toda la voluntad. Otro de los planteamientos expuestos duarante la actividad fue la desigualdad que existe con las mujeres en el arte, debido a que son pocas las que reciben premiaciones, por lo que hacen un llamado para que esto no siga ocurriendo, debido a que existen muchas creadoras visuales que tienen creaciones increíbles.
Diálogos Permanentes para las Artes
Tema: La mujer, las artes visuales y las transformaciones sociales en los nuevos tiempos
Conversatorios y charlas sobre el tema
Actividad 1:
Conversatorio: Arte, poesía y la mujer en las transformaciones hoy.
Ponentes: Gladys Yunes / Telma Carvallo / Aracelis Garcia
Modera: Luis Duarte
Lugar: Sala de Creadores Visuales
Martes 14/03/2023
Hora: 10:00 a.m.
Actividad 2:
Conversatorio: Relatos y autorrelatos en la mujer hoy.
Ponentes: Palmira Correa / Sara Nazoa / Joselyn Ángulo
Modera: Evelio Salcedo
Lugar: Sala de Creadores Visuales
Martes 28/03/2023
Hora: 10:00 a.m.
Cátedra Libre de Arte "Argimiro Gabaldón"
"El collage para nosotras las mujeres es una manera de expresar nuestras inquietudes, miedo y sororidad hacia la violencia de género femenino", expresó la creadora visual.
Por otra parte, Michelena describió su técnica en los dibujos, los cuales son elaborados en físico y digital, usando elementos que podemos observar en la cotidianidad, como pintura de uñas, revistas entre otros materiales que sepueden encolar, a través de los cuales crea historias fragmentadas desde obras construidas por otros creadores, añadiéndole otro enfoque artístico según la visión que posee de la vida, con el propósito de convencer a los espectadores.
Es importante señalar que, las elaboraciones de Michelena, le han permitido sobresalir en el país y enel ámbito internacional, logrando participar en numerosas exposiciones, entre ellas, la realizada en el Primer Encuentro de Cryptoarte 2022 en el Museo Carmelo Fernández de San Felipe, estado Yaracuy, donde le fue otorgado el primer lugar con su obra La Tabla de los Pecados Capitales, la cual pudimos explorar en este conversatorio y conocer sobre su proceso creativo; así como de los diversos personajes reales que la componen.
3er Jueves 16/03/2023
Conversatorio: Libertad y la mujer desde la técnica del collage.
Ponentes: Joselyn Lugo / María Elena Nuñez / Carmen Michelena
Modera: Luis Duarte
Lugar: Sala de Creadores Visuales
Hora: 10:00 a.m.
Nota en IARTES-BLOG
Muestras de artistas asignadas o que produce la Dirección de Desarrollo de las Artes Visuales en las Comunidades asignadas por la Dirección General
Visita en la sede:
Título:
Arte, Bocetos y Apuntes
Texto de la muestra:
Arte, Bocetos y Apuntes
A partir del Renacimiento, los artistas han llevado consigo cuadernos o libretas de arte, para bocetos y apuntes, donde trazan y dibujan sus experiencias cotidianas y las ideas que surgen para nutrir sus obras de arte. Esta clase de libretas es la más heterogénea, posiblemente una de las más interesantes, pues no busca un orden ni un tema como hilo conductor sino más bien son acuñadoras esenciales de la vida de muchos artistas.
En un cuaderno o libreta caben notas, hallazgos, reflexiones, dudas, ocurrencias, agendas diarias, dibujos, crónicas, maquetas, relatos, notas o listas de compras entre otros de nuestros artistas visuales. No sólo los artistas plásticos llevan cuadernos con apuntes de su quehacer; también músicos, escritores, cronistas, arquitectos, matemáticos, biólogos, cineastas, filósofos, entre otros, llevan un registro de diversas índole en una gran variedad de cuadernos, libretas o agendas.
Sin duda, las libretas más célebres de artistas son de aquellos extraordinarios dibujantes o de quienes desarrollan ideas de trabajo consecuentes para su quehacer creativo en ellas recogidos. Las libretas seleccionadas para esta exhibición, buscan mostrar la intimidad y cotidianidad de los pintores y artistas, quienes a través de ellas nos revelan su mundo personal entre lo artístico y sus interactuar diario.
Esta propuesta expositiva reúne diversas generaciones de creadores visuales, además de algunos pensadores de la praxis cultural; donde se recoge en el hechos social lo anecdótico, la reflexión, los bocetos, las ideas que son, en muchos casos, una práctica para depuración del oficio.
Los cuadernos de arte, bocetos y apuntes también han formado parte de la historia del arte. Muchos artistas famosos cuentan con la exhibición de sus cuadernos en museos o en lugares legitimados por el sistema de las artes. Para los artistas seleccionados en esta muestra sus libretas son una bitácora o un diario personal en la que conviven texto, pintura, proyectos y creación.
Artistas participantes:
1. Aura Moreno (Mayela)
2. Joel Nacache Toro
3. Miguel Von Dangel
4. Mirla Soto
5. Norma Morales
6. Pedro León Zapata
7. Arturo Mujica
8. Paul Gauguin (faxsimil)
9. Pablo Picasso (faxsimil)
10. Oscar Quintana
11. Luis Daniel Barrios
Curriculas de los artistas:
.jpg)
1. Aura Margarita Moreno Mijares (Mayela)
Nace en Petare, Municipio Sucre, estado Miranda, el 4 de mayo de 1960. Artista plástico autodidacta, también se ha dedicado a la creación de muñecas. Entre sus exposiciones colectivas más recientes destacan: Muñecas de trapo en Rosa, tienda Fundación Red de Arte, Complejo Cultural Teatro Teresa Carreño, Caracas, 2021; “Mixturas”: Laboratorio de Arte, Restaurante Rincón del Abuelo, Caracas; Fiesta de las muñecas de trapo, Fundación Red de Arte, Plaza Bolívar, Caracas; Expresiones en Diálogo. 23 artistas petareños y Mujeres venezolanas que dejan huella, ambas en el Museo de Arte Popular de Petare, del municipio homónimo en el Estado Miranda. Exposición virtual: “Buscando a nuestro niño interior”, Macanao, Estado Nueva Esparta, “Fiesta de Muñecas”, Galería Fundación Red de Arte, Complejo Cultural Teatro Teresa Carreño, Caracas, 2022.
2. Joel Nacache Toro
Oriundo de Tucupido, Estado Guárico (1963). Magíster en Artes Plásticas (Universidad Pedagógica Experimental Libertador U. P. E. L. 2000). Profesor en Artes Plásticas y Diseño, (Instituto Universitario Pedagógico de Caracas I. U. P. C. 1986). Especialista en Serigrafía (Centro de Enseñanza Gráfica C. E. G. R. A. 1987). Docente jubilado de la E. T. A. V. Cristóbal Rojas, en 2018. Docente activo en la Universidad Experimental de las Artes, UNEARTE, desde 2012. Paralelamente con sus estudios de docencia en artes, inició su labor artística como dibujante, disciplina y oficio que ha cultivado durante toda su vida. Desde el principio de los años ochenta, irrumpe en la escena plástica nacional participando como dibujante, grabador y pintor en diferentes eventos o exposiciones colectivas, en galerías y salones a nivel nacional, entre las que destacan: Amalivaca Territorio Ancestral, en la Galería de arte Nacional en 2018; Salón Nacional de Arte Aragua en sus ediciones 40 y 16; La ciudad que vemos, en el C.E.L.A.R.G., en 2016; II y III Bienal de pintura del IPASME; II Salón ExxonMobil de Venezuela; Salón Juan Lovera, varias ediciones; 22 Salón Municipal de Pintura. Maracay, 2000; 5 Diálogos con la materia. Fundación Banco Industrial de Venezuela, Caracas, 1990; III Bienal de Artes Visuales de Oriente, Cumaná, 1988; V Bienal de Miniaturas Gráficas, TAGA, Caracas. Con casi cuarenta años de trayectoria, ha participado por invitación y por concurso, en muestras colectivas dentro y fuera del país, lo cual le ha permitido dialogar con otros discursos lo que ha contribuido con el desarrollo, depuración y maduración de su propia obra. Algunas de estas participaciones han sido en: I y IV Bienal del Sur. Pueblos en resistencia, Museo de Bellas Artes, 2015; Del Caribe al Mediterráneo. Ateneo de Barcelona, España, 2001; Bienal de Arte de Niza (Sur de Francia) 1997; Salón Grandes y Jóvenes Artistas, Espacio Eiffel – Branly, Paris, Francia en 1997; Ten Years After. Museo Jacobo Borges, Caracas, 1997; Del Lado Oeste. Museo Jacobo Borges, Caracas, 1996; V Bienal de Pintura del Caribe. Santo Domingo, 1992. He realizado dos exposiciones individuales, la primera en la Sala Múltiple del Pedagógico de Caracas, en 1986, donde mostró sus creaciones del taller de grabado del C.E.G.R.A y la segunda, titulada “De la oscuridad a la luz”, integrada por sus primeras pinturas en la Galería Díaz Manzini, en 1993.Ha recibido reconocimientos y distinciones por su labor artística, como:
1o PREMIO, III Bienal de Pintura del IPASME, 2004; 1o PREMIO, “22 Salón Municipal de Pintura”, Maracay, 2002; 2o PREMIO, II Bienal de Pintura del IPASME, Caracas, 2002;MENCIÓN PINTURA, VIII Salón “Francisco Lazo Martí”, Calabozo – Guárico, 1998; 1o PREMIO, VII SALÓN DE Artes Visuales de Cojedes, 1997; PREMIO al Mejor Grupo participante, V Bienal de Pintura del Caribe. Santo Domingo, 1992; MENCIÓN PINTURA, XVI Salón Nacional de Arte Aragua, 1991; MENCIÓN PINTURA, III Bienal de Artes Visuales de Oriente, Cumaná, 1990.
3. Miguel Von Dangel
Nació en Bayreuth, Alemania en 1946. En compañía de sus padres, el zoólogo polaco Félix Von Dangel y la alemana Susanne Hertrich, emigra a Venezuela en 1950. Desde esa fecha, vive en Petare, Estado Miranda. En 1963, se inscribe en los cursos libres de la Escuela de Artes Visuales Cristóbal Rojas. Recibe clases del artista Luis Guevara Moreno quien fuera para él de gran estímulo. Paralelamente estudia taxidermia, actividad que será de enorme importancia en su trabajo artístico posterior. Con el grupo de alumnos del taller de grabado de Guevara Moreno expone por vez primera, antes de retirarse de la Escuela en 1965. En ese año conoce al pintor Bárbaro Rivas, encuentro que fue crucial para Von Dangel. Desde entonces, su trabajo es el de un autodidacta. Von Dangel, además de Bárbaro Rivas, tuvo particular interés y predilección por las obras de maestros de la talla de Grünewald, Van Gogh, Bosch, Grosz, Armando Reverón, Emerio Darío Lunar, y Mario Abreu. Además de su formación como taxidermista, sus viajes al Amazonas han sido cruciales para conocer las diversas etnias, cultura y artesanías. Su contacto con los piaroas, makiritares y panares es fundamental en su formación y expresión artística. A través de ellos adquirió conocimiento acerca de los animales, paisaje, geografía: formas del trópico, su desmesura, procesos de vida y de muerte. Estudiará los mitos, costumbres y artesanías . Ha tenido una prolífica carrera desde ese entonces. Su obra ha sido causa de algunas controversias, al integrar animales disecados en sus obras, entre estos un perro crucificado en la obra Retrato espiritual de un tiempo en 1972, por lo que fue muy criticado e incluso calificado de hereje. Con esta pieza cierra un ciclo de intensas crisis y búsquedas religiosas. En 1973 y 1974, participa en dos ediciones consecutivas del Premio Ernesto Avellán, y asiste fuera de concurso a la edición de 1979. En 1990 culminó su obra La Batalla de San Romano, que fue enviada a la bienal de Venecia en 1992. Recibió el Premio Nacional de Artes Plásticas en 1990. En 2001 recibió el Premio Anual de Artes Plásticas "Pedro Ángel González", que había sido creado por la Gobernación del Distrito Federal y luego mantenido por la Alcaldía Metropolitana de Caracas. En 2003, la Feria Iberoamericana de Arte le rindió homenaje por su trayectoria. En 2014, realizó una exposición denominada Petare, De Civitate Dei, en la que le hace unhomenaje a Petare por sus 393 años. Fallece el 25 de julio del 2021.
4. Mirla Soto
Estudió en la Escuela de Artes Visuales “Cristóbal Rojas” de Caracas. Trabajó durante veinte años en el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas Sofía Ímber. Y el Ministerio de la Cultura. Ha participado en múltiples exposiciones de arte en Venezuela, España, Houston, Italia, Colombia, Argentina y México. Representada en Museo di Arte Contemporánea de Cacerta, Nápoles, Italia. En el catálogo Venezuela de Luciano Benetton Collection Imago Mundi Project, y en la colección de obras de arte de Fondazione Luciano Benetton, Italia; en Galería Frida Kahlo de Sinaloa México y en el Instituto Castellano y Leonés de la Lengua de Burgos, España. Las exposiciones individuales más importantes: Más allá de las palabras, la pintura, Burgos, España; Emociones, Caracas; Azul... Encuentro, Caracas; Universos Encontrados, Caracas; Puertas del Ávila, Caracas; Huele a Café, Ciudad Bolívar. Presidenta fundadora de AMOJ, Comunidad de Mujeres artistas de Venezuela. Pertenece al Circulo de Dibujo de Caracas. Curadora y promotora de arte en múltiples eventos expositivos realizados, a nivel nacional e internacional. Profesora de dibujo y pintura. "SotoArte-taller" "Laboratorio de Arte".
5. Norma Morales
Nace en Caracas en el año 1960. Artista Gráfico y docente. Formada como docente en artes en el Instituto Pedagógico de Caracas, entre 1982 y 1987 y como artista gráfico, en el Centro de Enseñanzas Gráficas, CEGRA, entre 1985 y 1987. Ésta creadora, ha acompañado los procesos creativos de grandes artistas de la gráfica nacional. Lleva treinta y dos (32) años dedicada a las artes gráficas y los procesos de formación dedicados al dibujo y la gráfica. Se desempeñó como maestra impresora del Taller Artistas Gráficos Asociados, TAGA, en Caracas. Desde el año 1985 hasta la actualidad, la artista ha participado en diversos eventos de exhibición nacional e internacional que le han valido importantes reconocimientos y estar representada en diversas colecciones públicas y privadas en Venezuela, Estados
Unidos, España y Japón, entre otros. Con motivo de sus 20 años dedicados a las artes gráficas, el IARTES le realiza exposición individual retrospectiva: “Del Gesto a la Poética”, en la Sala Gladys Meneses, 2016 y 2017 y en el año 2021, fue seleccionada como “Maestra de las Artes”, en la IV Bienal del Sur, Pueblos en Resistencia, Caracas, Distrito Capital.
6. Pedro León Zapata
(La Grita, Táchira, 27 de febrero, 1929; Caracas 6 de febrero, 2015) Pintor y humorista gráfico venezolano. Figura relevante del periodismo gráfico de Venezuela, su amplia formación humanística le ha servido, además, para interpretar por medio de sus ilustraciones las más diversas manifestaciones culturales y artísticas (literatura, política, tauromaquia...) de la cultura española e hispanoamericana. Hijo de un militar, el coronel León José Zapata, y de María de Lourdes Monroy, completó sus estudios de bachillerato en el Liceo San José de Los Teques, para pasar en 1943 a perfeccionar sus ya evidentes dotes artísticas en la Escuela de Artes Plásticas. Su nombre comenzó a sonar en los círculos periodísticos de su país a raíz de la publicación de sus primeras caricaturas en la revista Fantoches, dirigida por el gran poeta y ensayista Aquiles Nazoa. Al tiempo que cultivaba esta faceta de ilustrador gráfico, se dio a conocer también como pintor dentro del grupo constituido por varios artistas del pincel que se agrupaban bajo el peregrino nombre de "La Barraca de Maripérez". Sin embargo, la fama le llegó a partir de 1964, cuando empezó a publicar en el diario El Nacional una especie de editoriales gráficos, verdaderamente ingeniosos y brillantes, que fueron bautizados por el periodista Omar Pérez con el agresivo nombre de zapatazos. Ya respetado y aplaudido como uno de los grandes caricaturistas de su época, convirtió en un personaje popular a una de sus más celebradas creaciones, el carismático Coromotico, un astuto y desconfiado representante de las capas más bajas de la sociedad venezolana. Coromotico, protagonista de numerosos comentarios gráficos salidos de la plumilla de Pedro León Zapata, se identifica con el pueblo pobre por su delgadez hambrienta y los harapos que apenas bastan para cubrirla, pero también por el inteligente recelo con que pone en solfa las promesas y declaraciones de los poderosos. Además de este personaje - cuyo nombre propio ha pasado a integrarse en el acervo cultural del pueblo llano de Venezuela -, Zapata se ha distinguido por la profusa utilización en sus sátiras gráficas de algunas figuras emblemáticas, como los camaleones antediluvianos (símbolos de las clases más reaccionarias) y las viejas decrépitas y enlutadas. Todos ellos pulularon, junto con la caricatura del presidente Rómulo Betancourt (otro de los temas gráficos predilectos de Pedro León Zapata) por las principales publicaciones del país, incluidas las revistas de ideología progresista que tan en boga estuvieron durante la década de los años sesenta. En general, la línea temática fundamental del humorismo periodístico de Zapata se concreta en la denuncia de las marginaciones y discriminaciones provocadas por el desarrollo caótico que experimentó la Venezuela petrolera. Fuera del ámbito socio-político, el dibujante de La Grita elevó a altas cotas su inspiración artística por medio de una serie de caricaturas que, inspiradas en la Vida del buscón, de don Francisco de Quevedo y Villegas, fueron publicadas en la revista Papeles, editada por el Ateneo de Caracas. Y en su faceta de pintor, Pedro León Zapata cosechó un notable éxito de público y crítica con numerosas exposiciones, entre las que es obligado destacar las tituladas Las batacanas (1970), Revolucionarios y Jijos de la Pelona (1972), 80 dibujos taurinos (1974), Guerra es Guerra (1974) y Todo el museo para Zapata (1975), reunida, esta última, en el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas. En el conjunto de todas estas pinturas no falta esa acidez humorística que caracteriza toda su obra gráfica recogida en diarios y revistas, sobre todo cuando Zapata se enfrenta con los modernos postulados del Arte Pop, a los que zahiere desde una lectura mordaz y corrosiva.
7. Arturo Saúl Mujica Jiménez
Nace en Caracas, el 27 de Octubre de 1960. Es Bachiller en Dibujo Técnico. Profesor de Arte en la especialidad de Artes Plásticas y Dibujo Técnico, mención honorífica de Magna Cum Laude, del “Instituto Universitario Pedagógico de Caracas” (IUPC), actual IPC. Es Magister en Arte, en las menciones de Artes Plásticas y de Estética. Es Doctor en Cultura Latinoamericana y Caribeña, de la UPEL, IPC. Posee un Post Doctorado en Educación, Ambiente y Sociedad. UPEL, IPC. Artista Plástico con numerosas exposiciones individuales y colectivas. Ha obtenido varios premios por su trabajo pictórico, entre los que destacan los primeros lugares en pintura: 1991 “V Salón de Dibujo y Pintura IPASME” Caracas. 1992 “IX Salón de Artes Visuales San Antonio de los Altos” Estado Miranda. 1992 “II Salón Magisterial 27 de Junio” Ministerio de Educación. Caracas. 1995 “V Salón de Artes. Ateneo de Catia”. Caracas. 1996 “I Salón de Artes del Aeropuerto Internacional Simón Bolívar”. La Guaira.
(Premio de pintura en la Mención: Figura – Paisaje). Las muestras colectivas de Pintura más relevantes en las que ha participado son: 2000 “Catia: Miradas Múltiples”. Museo Jacobo Borges. Exposición No 53. 2015 “Cotidianidad Sublime” Museo Alejandro Otero.
8. Paul Gauguin
(París, 1848 - Atuona, Polinesia francesa, 1903) Pintor francés, uno de los principales representantes del postimpresionismo. Hijo de un periodista francés y con sangre peruana por parte de madre, su familia hubo de huir a Lima tras el golpe de Estado de Napoleón III (1851). Cuando era todavía un adolescente, Paul Gauguin se enroló en la marina mercante; tras regresar en 1871 a París, entró a trabajar en una empresa financiera de la capital, contrajo matrimonio y llevó una vida acomodada. En esta época Paul Gauguin empezó a desarrollar un fuerte interés por el arte, que le llevó a tomar clases de pintura y a reunir una copiosa colección de obras impresionistas que incluía trabajos de Edouard Manet, Paul Cézanne, Claude Monet y camille Pisarro. En 1875 trabó conocimiento personal con este último y empezó a trabajar con él; resultado de tan fecunda colaboración fue la invitación a participar en la quinta Exhibición Impresionista de 1880, que sería reiterada en los dos años siguientes. En 1883, su creciente interés por la pintura se unió al desplome de la Bolsa parisina para conducirle a tomar la decisión de dedicarse íntegramente a la actividad artística. Al año siguiente se trasladó a Copenhague, residencia familiar del padre de su esposa, en busca de apoyo económico, pero su empeño fracasó rotundamente y poco después abandonaría a esposa e hijos. A partir de ese momento Gauguin vivió en la penuria, rechazado por una sociedad que con anterioridad le había abierto los brazos y que en breve iba a aborrecer. Entre 1886 y 1888 su obra experimentó un giro radical, cuyo origen cabe buscar en dos experiencias vitales de gran importancia: su encuentro con Vincent van Gogh y su primer viaje a la Martinica. Paul Gauguin conoció al pintor holandés en París y quedó fuertemente impresionado por el modo en que éste conseguía plasmar sus inquietudes vitales en unos lienzos rebosantes de expresividad. En 1888 incluso se desplazó a Arlés con la intención de trabajar conjuntamente con Van Gogh, pero las incompatibilidades de carácter dieron espectacularmente al traste con el proyecto al cabo de tan sólo unas pocas semanas. Poco antes, Gauguin se había trasladado durante un tiempo a la colonia francesa de la Martinica, donde había descubierto un paisaje repleto de sensual colorido y una sociedad, la indígena, en estrecha convivencia con la naturaleza. Ambos factores se unieron para despertar en el artista una aguda nostalgia por lo primitivo, cauce en el que iba a encontrar una vía idónea para expresar una emotividad no contaminada por el naturalismo propio del arte refinado. Tras su desastrosa experiencia con Van Gogh en Arlés, Gauguin regresó a París, donde su interés por las formas del arte popular se acrecentó por vía de su amistad con el joven artista Émile Bernard. De resultas de sus propias experiencias en la Martinica y del aporte teórico de Bernard iba a surgir el sintetismo, estilo personal caracterizado por la representación no imitativa y la separación de la imagen pictórica en zonas de color fuertemente contrastadas ya menudo delineadas en negro. Dicho estilo, con su rechazo frontal al uso de trucos formales para recrear la percepción visual, significó una ruptura absoluta, desde el punto de vista conceptual, con el impresionismo que había abrazado anteriormente, razón por la cual la moderna historiografía del arte ha situado su producción más significativa en el postimpresionismo, etiqueta que también se aplica a maestros como Vincent van Gogh y Paul Cézanne, aunque apenas comparten otro rasgo que no sea el abandono parcial o total del ideario estético impresionista. Entre 1891 y 1903 Paul Gauguin efectuó largas estancias en Tahití y las islas Marquesas,
donde su primitivismo fue atemperándose al abrirse a la influencia de neoclásicos como Jean Auguste Dominique Ingres o contemporáneos como Pierre Puvis de Chavannes. Este proceso corrió de la mano de un creciente refinamiento tonal y de la presencia en su producción de un aura onírico-poética que en modo alguno parece reflejar la enfermedad y los conflictos personales (particularmente sus enfrentamientos con las autoridades locales en defensa de las comunidades indígenas) que marcaron los últimos años de su vida.
9. Pablo Picasso
Nació en Pablo Ruiz Picasso en Málaga, España, el 25 de octubre de 1881, siendo el primer hijo de su padre José Ruiz Blasco, quien se desempeñaba como profesor de pintura en la Escuela de Bellas Artes, en el Municipio de Málaga, y su madre María Picasso López, era proveniente de origen italiana. Niñez del joven Picasso y su incursión en la pintura. Su infancia la vivió en su lugar natal, Málaga, en el que su padre lo enseñaría a temprana edad el arte de las expresiones pictóricas, mostrando un rápido y gran aprendizaje con sus primeros dibujos, dejando a la luz un gran talento por explorar. Tras las dificultades económicas que presentaba la familia, en el año de 1891, es nombrado como profesor a José Ruiz Picasso, en la Escuela de Bellas Artes de la Coruña, por lo que este ascenso, provocaría la mudanza de la familia a vivir en la ciudad española La Coruña. Estudios realizados en instituto de La Guarda. Con este nuevo cambio, el joven entonces Pablo Ruiz Picasso, ingresa al instituto de Enseñanza Media de La Guarda, es donde da inicio a una formación académica en el estudio de las bellas artes. Lugar donde aprendería a aprovechar todo el talento natural, para expresar sus ideas y pensamientos en los oleos, que años más tarde lo consagrarían como, un pintor reconocido. Para el año de 1895, se traslada nuevamente para hacer de esta tu hogar definitivo, a la ciudad de Barcelona, en el cual Pablo, se retira de La Coruña para dar continuidad a sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de Llotja. Desde tu juventud, contaba con el apoyo de su padre, el cual lo animaba para participar en ceremonias oficiales de 1896, siendo esto su puerta para presentar por primera vez su obra “Primera Comunión” retrato que sería inspirado por su hermana Lola, en presencia de su primera comunión, en la exposición municipal de Barcelona. Picasso participaría con su obra “Ciencia y caridad” en la Exposición Nacional de Bellas
Artes de Madrid, en el año de 1897 para obtener la mención honorífica en esta exposición. Esto debido al realismo académico aplicado en la pintura, siendo su padre una figura clave para ser de modelo, para su figura como un médico. Para el año de 1898, Picasso hace su primera exposición en Els Quatre Gats en la ciudad de Barcelona, donde a mediados de 1900, hace una venta de tus tres dibujos al marchante
Petrus Mañach, el cual accede por un trato de 150 francos mensuales, por toda la obra de un año. Ahora siendo un profesional, Pablo comienza a firmar sus obras usando como seudónimo, su apellido materno “Picasso”. Picasso se instala en Bateau-Lavoir, lo que hoy día es la plaza Hodeau, lugar donde hace amistad con artistas españoles como Juan Gris. Acá trabajaría por unos tres años, con un arduo y constante trabajo, que le permitió crear una serie de pinturas, tomando influencias de Cézanne, mientras que estaría trabajando junto al pintor francés Braque, sobre las líneas del cubismo analítico, dando como resultado la obra experimental; “Las señoritas de Aviñón“ obra de Picasso en el año de 1907. Con su nuevo estilo deforme y junto a un gran conocimiento académico de la pintura, rompe con todos los conceptos en las artes plásticas y gana nuevos adeptos a sus trabajos. De esta forma, Picasso junto a su nueva compañera Marcelle Humbert y su siempre acompañante Braque, los cuales incursionan a la creación del cubismo sintético, el que los acercaba a la abstracción. En el año de 1914, con el inicio de la Primera Guerra Mundial, se separa de Braque y Apolline, los cuales son desplazados y Marcelle muere en el otoño de ese año, por lo que lleva a Picasso a dejar el cubismo. Para el año de 1930, se hace con un premio millonario de Carnegie, por un viejo retrato realizado en 1918 de su madre, el cual le permite costear una villa campestre en Boisgelup. En el año de 1944, se alista al Partido Comunista Francés, dando a conocer 77 obras nuevas en el Salón de Otoño, seguido a esto, inicia su etapa de Vallauris, en la que trabaja con cerámicas. En el ocaso de su vejez activa, continúa realizando sus trabajos pictóricos de gran renombre hasta 1973, donde muere luego de una vida activa y ardua trayectoria, dejando atrás una de las colecciones artísticas más ricas y personal del siglo XX.
10. Óscar Quintana
(Nace en Caracas, el 1 de octubre de 1953) Escultor y vitralista. Hijo de Manuel Quintana Castillo e Irma Patruyo de Quintana. Estudió arte puro en la Escuela Cristóbal Rojas (1970-1974) y cursos de especialización en vitral en academias de París (1976-1981). Ha expuesto individualmente desde 1976 y ha participado en colectivas como el Salón Anual de Valores Jóvenes (Caracas, 1975 y 1976), el XVII
Premio de Dibujo (Fundación Miró, Barcelona, España, 1978), el Salón de Arte de la Ciudad de Marsella (Francia, 1979) y LI Salón Arturo Michelena (1993). En 1998, con Templo y dibujo (ensamblaje con madera, vidrio y cobre) formó parte de la itinerante "Emanaciones del fuego", organizada por el Conac. En sus piezas, que no se limitan a un solo formato, la geometría juega un papel importante, así como el uso de vitrales, columnas y cuerdas. Sus piezas se asemejan a pórticos de templos. Su obra, según Víctor Guédez, es la cristalización de "múltiples integraciones de materiales, técnicas y conceptos" (1990, p. 6), en la cual la integración de técnicas se manifiesta en los acabados: tallado, armados, fundidos, acoplados o ensamblados.
Exposiciones individuales : 1976 Taller Cristóbal Rojas, Caracas . 1978 Teatro de Ranelagh, París . 1980 Galería Durban, Caracas . 1987 Galería Vedobleve, Caracas . 1990 "Espacios votivos", Galería Uno, Caracas . 1993 "Ideogramas-esculturas", Galería Leo Blasini, Caracas . Premios 1976 Premio de pintura, I Salón Anual de Valores Jóvenes, Caracas . 1977 Premio de pintura, II Salón Anual de Valores Jóvenes, Caracas.
11. Luis Daniel Barrios
FICHAS TÉCNICAS:
1.- AURA MORENO
Cuaderno (2020 . COVID) Año de la libertad
21,4 x 15,5 cm
Dibujos coloreados (comunitarios, pensamientos, expresión plástica)
2.- JOEL NACACHE TORO
Libreta Sketch (1991)
27,7 x 21,2 cm
Intervención 76 hojas
Grafito, tinta, intervenciones
Bocetos serie Libreta Sketch (2001)
55,6 x 21,2 cm
Intervención 156 hojas
Grafito, tinta, intervenciones
Bocetos de diversas series
3.- MIGUEL VON DANGEL
Agenda (38 pág)
17,5 x 22,8 cm
Dibujos en bolígrafo y lápiz
Notas diversas
Bocetos de obras
Año: 1990
Cuaderno cuadriculado (57 pág)
21 cm x 14,8 cm
Notas y apunte en alemán y español
Boceto, cristo crucificado .
Intervención
4.- MIRLA SOTO
Agenda (110 pág)
15,4 x 10,2 x 2,4 cm
Papel artesanal
Técnica mixta (pintura, hojilla de oro, tinta china, collage)
Notas, bocetos, apuntes, expresión poética.
5.- NORMA MORALES
Agenda Sketch Gold (negra)
16,4 cm x 11,5 cm x 2cm
Bocetos de grabados y obras.
6.- PEDRO LEON ZAPATA
Hojas sueltas
27,4 x 21 x 0,4 cm (1)
22 x 15,3 x 0,4 cm (2)
Cuaderno
de dibujo (Libreta Bambi)
Grafito
Bocetos y ejercicios.
Época estudiantil del artista.
7.- ARTURO MUJICA
Agenda (2014)
21,5 x 21,5 x 1,9 cm
Bocetos, notas, pensamientos, dibujos 2017
Grafito
Bocetos, y dibujos, autorretratos
8.- MENSIEUR PICASSO (FACSIMIL)
(PABLO PICASSO)
Libreta tipo cuaderno
27,7 x 21,2 x 0,80 cm
120 páginas
Impresión
Faxsimil impreso por: Galería Jan Krugier
Bocetos
9.- PAUL GAUGUIN (FACSIMIL)
Libreta tipo cuaderno
17 x 11,4 x 1,60 cm
Intervención 88 hojas
Listas de compra
Bocetos
10.- OSCAR QUINTANA
Libreta papel bond pegado sobre el papel
27,7 x 21,2 cm
Intervención 76 hojas
Grafito
Bocetos
serie Palafitosy otras
11.- LUIS DANIEL BARRIOS
Agenda (2008)
21,5 x 21,5 x 1,9 cm
Propuesta, proyectos y pensamientos para obras conceptuales
En la apertura de la muestra
Esta clase de libretas es la más heterogénea, quizás una de las muestras interesantes, pues no busca un orden ni un tema como hilo conductor sino más bien son acuñadoras esenciales de la vida de muchos artistas, expresa el profesor Zacarías García, Director General de IARTES.
Comentarios
Publicar un comentario